Tiempos abstractos

1. Tiempo onírico: puede referirse al contenido de los sueños.























2. Timelapse: Es una secuencia de video acelerada. 





3.  Tiempos paralelos: Cuando están sucediendo dos cosas al mismo tiempo en lugares distintos.














4. Flashbacks: Ir a recuerdos del pasado a través de alguna persona en el presente.













5. Elipsis: salto en el tiempo o en el espacio. 


Bill Morrison

Decasia



Morrison buscaba material en estado de decadencia. La narrativa detrás es lo menos importante de su película. Nos muestra imágenes sobre la creación y la génesis de la civilización, en distintas etapas. Vemos movimiento constante de imágenes y efectos. Es curioso que en varios casos Morrison no tuvo que alterar las imágenes, que el propio tiempo las transformó.
Dreamwork, 2001




Esta obra es un homenaje al artista avant-garde, Man Ray, cuyas primeras fotografías representaban al cuerpo humano como formas abstractas. Es un cine que raya en la frontera de la realidad y el sueño. Me recuerda mucho a los trabajos de Maya Deren, cuyas obras eran catalogadas como un cine entre lo onírico y lo poético, visionario y que busca traducir una interioridad.  





Manufraktur





El título lo dice todo: hacer algo nuevo a través material encontrado, con un alto grado de fragmentación. En esta obra Tscherkassky usa material apropiado de comerciales, en especial coches, que manipula de diferentes maneras. Acelera las imágenes hasta que llegan a una velocidad muy alta, convirtiendose en una clase de nuevo espacio fílmico. Superposiciona las imágenes y le mete ruidos arrítmicos. 


the title says it all: making something new through reprocessing found footage, with a high degree of fragmentation. 

Peter Kubelka

Adebar



En este corto, la importancia de los contrastes es primordial. Kubelka alterna consistentemente entre positivo y negativo, lo que genera unos contrastes muy grandes. Las imágenes de las personas bailando son muy precisas, gracias a esto y podemos ver la construcción de movimientos, montaje y sonido.  

Joseph Cornell

By Night with Torch and Spear




Cornell transforma las imágenes de maquinaria pesada y metal derretido en unas ligeras y digeribles. Utiliza técnicas de inversos. Imagen invertida arriba abajo, como espejo y negativo. Esto ayuda a que veamos el metal derretido fluir como agua. La música que escoge para la obra nos guía a través de esta maquila y el trabajo que se hace en ella. Ayuda a quitarle la rigidez que tiene el propio trabajo y materia que vemos en toma.

Bill Viola

Migration



En esta obra vemos una imagen distorsionada de Viola sentado en una mesa. Se escuchan unas campanadas hipnóticas mientras que la imagen se aclara. Hay muchos reflejos, que cambian de medios. Comienza el reflejo de Viola en un plato, luego en una llave de agua, y finalmente en una gota de agua. El nombre de la obra remite a la migración de reflejos de un medio a otro, así como las lecturas que cambian con los medios. Existe una sinestecia entre lo sonoro y lo visual. Mezcla rítmicamente estos dos factores.

The Reflecting Pool



Esta obra es la que mas me gustó de Viola. Con la cámara fija, vemos una alberca cuadrada en un bosque. La paleta de colores es muy uniforme, concentrándose en el color verde, ya que la alberca refleja los colores del bosque. Después de unos momentos, entra un hombre del bosque, y se para a la orilla de la alberca. Después de segundos, el hombre brinca y queda suspendido en el aire. Es aquí cuando Viola comienza a jugar. Juega con los tiempos, reflejos, sonidos, y movimientos.

Ancient of Days



Viola juega con tiempos distintos dentro de la misma imagen. Sus tomas son sencillas, usa variación de colores, de paisajes, personajes. A lo largo de la obra, va dejando la sencillez atrás al avanzar de los paisajes tranquilos y serenos a la velocidad de la ciudad.

Hatsu Yume (First dream)





Esta obra cuenta con una temporalidad contemplativa. Podemos ver el sentido general del tiempo. Como en otras de sus obras, el sonido es hipnótico, pero por momentos no es diegético. En esta obra no hace falta narrativa, al contrario, se siente una liberación de ella. Viola recurre a la expresividad de la imagen propia, y hace juegos visuales con los tiempos y luces.

Pipilotti Rist

Aujourd´hui

Es un cortometraje en el que Rist camina por un supermercado con una cámara en frente; ella está en close up y viendo a la cámara en todo momento. Ella es una artista feminista y lucha contra la rigidez normativa. Sus propuestas  intentan oponerse la percepción preestablecida del cuerpo humano, y en especial el de la mujer. 



Chick Strand

Fake Fruit Factory, 1986

Esta obra consiste de puros close ups y muchos cortes de mujeres que trabajan pintando fruta en la frontera, para un jefe americano. Nos muestra la relación entre las mujeres y el jefe, que es aunque es buena, no oculta que existe una explotación de su mano de obra. El uso del color da una sensación de tiempo de trabajo, mezclado con tiempo de ocio. No son dos mundos apartes, al contrario, se homogeneizan. Los close ups de los cuerpos de las mujeres le da un tinte de erotismo al film.




Fake Fruit Factory from Guergana Tzatchkov on Vimeo.

Naomi Uman

Removed

Esta obra es una crítica a la representación de la mujer. Elimina esta representación en imagen, pero mantiene el sonido de películas eróticas de los setenta. Al quitar a la mujer de la imagen, se observa algo de violenta en la demás gente que está en esas imágenes. Vemos una fijación de la mirada masculina, y la descarga de la fuerza del hombre sobre los espacios blancos.


Dara Birnbaum

Wonder Woman

Este trabajo hecho por Birnbaum está cargado de feminismo, al utilizar el material de la serie, y resignificarlo. Trastorna, critica y destruir el poder de las imágenes de los medios de comunicación masivos.


Abigail Child


Abigail Child es una cineasta experimental feminista. Le ha interesado temas que aborda a lo largo de su carrera como cuestiones de género, y montaje de arritmia entre sonido e imagen. 

Perils cae en lo caricaturesco, con una parodia de las películas silentes. Tiene imágenes tomadas de distintas películas, interrumpidas por títulos usados generalmente en las películas silentes. Mayhem agrega a Perils material de cine negro, con secuencias de gente corriendo por escaleras,  y pornografía japonesa. Estas dos obras son cortometrajes de una obra llamada Is This What You Were Born For?. 



Video letter entre Shuji Terayama y Shuntaro Tanikawa, 1983

Conociendo el contexto en que se hizo esta obra, me parece que pudo haber caído en lo cursi y nostálgico. Me parece que Suji Terayama logra crear un autorretrato sencillo y a la vez muy genuino. Una parte que me llamó mucho la atención es en la que nombra diferentes objetos mientras los tira al piso frente a la cámara. Es una manera directa de lograr lo que busca, mostrarse a sí mismo a través de objetos personales de su vida diaria.

Necrology


"In NECROLOGY, a 12-minute film, in one continuous shot he films the faces of a 5:00 PM crowd descending via the Pan Am building escalators. In old-fashioned black and white, these faces stare into the empty space, in the 5:00 PM tiredness and mechanical impersonality, like faces from the grave. It's hard to believe that these faces belong to people today. The film is one of the strongest and grimmest comments upon the contemporary society that cinema has produced." 
- Jonas Mekas

Me parece que Mekas describe a la perfección este trabajo de Lawder. Es una muestra de la sociedad, que a la vez no nos muestra mucho. Caras que aparecen por segundos en la pantalla, que no nos permiten realmente observar cada uno de los personajes que entran y salen. Al final de la película los personajes se unifican en una sola masa. No distinguimos a uno de otro. Como el título bien nos prevé, los personajes desaparecen en cuestión de segundos en una obscuridad total. Es una alusión a la vida y la muerte. 

La secuencia de los créditos me parece genial, y creo que se vuelve una parte igual de importante de la película que las imágenes en sí. 









Corridor

"Predetemined engineered rhythms or frame-counts measurements," he argues, are a way "to measure and cut and edit, but have very little to do with the visual experience. How one reacts and sees and deals with a film has more to do with one´s own background and sensibility than the object itself. They´re profoundly subjective experiences." 
-Standish Lawder

Hemos hablado varias veces sobre el sondio vs. imagen. En esta obra, el sonido mantiene al espectador atento al ritmo de la película durante los 20min que dura. Lawder utiliza distintas técnicas para alterar una misma imagen, la figura de una mujer parada al fondo de un largo pasillo. Repite patrones, cambia el sentido de la imagen, de horizontal a vertical, utiliza claro oscuros, granula, y juega con la exposición de negativos y positivos para lograr este pequeño film que hipnotiza al espectador. 






Nam June Paik



En el caso de Nam June Paik, el video se ha convertido en el registro de su obra. A partir de los años sesenta, el registro se ha convertido en algunos casos mas importante que la obra. 

El video tiene un contacto natural con la televisión, los sistemas de vigilancia, los homevideos, celulares e internet. Genera una atención dispersa e interrumpida en el espectador. 

Nam June Paik es un visionario. En su obra La Torre de Babel, hecha de televisores, crea un lenguaje universal. Cambia cada vez que es trasladada de lugar por las diferentes señales que capta. Se nutre de algo invisible que son las ondas. Tiene una monumentalidad y construcción visual impresionante. Cientos de teles representan tanto la percepción individual como la colectiva. Más allá de cualidades plásticas, hay algo mas. La imagen en la tele tiene dos dimensiones, y la escultura tiene tres. Se incorpora una dimensión mas. Existe un recorrido. La imagen se convierte en tres dimensiones.

Por otra parte tenemos su obra Good Morning, Mr. Orwell; una obra revolucionaria en el mundo del arte. Fue la primera instalación internacional vía satelite hecha el 1 de enero de 1984. Este evento enlazaba una televisora en Nueva York, con el Centro Pompidu en París. La transmisión fue en vivo en la televisión pública de Estados Unidos, y alcanzó audiencia de más de 25 millones de espectadores a nivel mundial. 





Global Groove, 1973



Este video anticipa el papel que tiene la televisión en el futuro. Tiene todo el estilo de un video musical de los años ochenta, y a la vez nos muestra un contacto natural con la televisión de hoy en día. Hay un sentido de inmediatez. Ya no hay revelados y las obras se terminan más rápido. Tiene una estética kitsch que se acerca mucho al lenguaje de la televisión. En la televisión no existe una linealidad como en el cine, se puede cambiar las veces que quieras y por el tiempo que quieras de canal, el mismo programa se corta para presentarte con anuncios.  Nam June Paik hace referencia a esto en sus videos. A la facilidad de asociación con otras técnicas afines.

Nam June Paik lleva la imagen a sus últimos límites. La deforma, distorciona, superposiciona, cambia colores y le mete todo tipo de efectos. Hasta podría decir que se convierte en una obra psicodélica.

"This is a glimpse of a video landscape of tomorrow when you will be able to switch on any TV station on the earth and TV guides will be as fat as the Manhattan telephone book."



Línea del tiempo

Línea del tiempo de Maya Deren

From dusk till dawn...

Usando observación ininterrumpida, la intención es crear un sentido de imediatez a través de un sin fin de imágenes de gente, lugares, y objetos. Llevaré a la audiencia de un punto de la Ciudad de México a otro, partiendo de los lugares más comunes de transportación hasta mostrar a gente en sus oficios del día al día. Esto como un ejercicio para conocer el ritmo en que se vive en un día en esta ciudad. 






Star Spangled to Death y Punishment Park

Me voy a atrever a comparar Star Spangled to Death con Punishment Park. Se que son dos películas totalmente distintas, pero creo que finalmente, los dos directores intentan transmitir el mismo mensaje. Jacobs se apropia de material de propaganda política, para hacer un discurso crítico hacia los políticos de Estados Unidos. Se burla de una nación, la critíca, la pone bajo el microscopio en el ojo público, y la humilla. La película es una esponja que absorbe material de humillaciones políticas, canciones patrióticas, programas de televisión, caricaturas, noticieros y hasta pornografía.

Watkins igualmente se burla del sistema que tiene la nación, y de las mentalidades tan cerradas que tienen sus dirigentes. Nos muestra a un pueblo cansado de vivir bajo un régimen, que se rebela a través de la paz, canciones y activismo político. Es una generación que cree que el mundo puede ser un mejor lugar para vivir, en el que todos puedan convivir sin tener que estar peleando por monopolios capitalistas. Claramente los sacan de la burbuja en que están viviendo a través de torturas psicológicas y físicas. Los usan como experimentos, como entrenamiento para sus militares y policías; los humillan y se los restriegan en la cara.  Finalmente, su trabajo no es tan cómico como el de Jacobs, quien descaradamente nos a Nixon eructando durante un discurso. El trabajo de Watkins mas bien nos enfurece, al saber que aunque sea un falso documental, el tipo de injusticias que sufren sus personajes sí suceden en la vida real, y hasta cosas peores.

Creo que ambos proyectos trascienden con el tiempo. Aunque se hicieron hace cuarenta años, hoy en día nos podemos identificar en diversos países con los temas que abordan. La impunidad, injusticias, los políticos que se ridiculizan a sí mismos...


















































More Hollis!

Hollis Frampton, como ya hemos visto, es un cineasta innovador y experimental. Creo que trabaja sobre la base de primero crear y luego entender. Requiere del espectador para que nuestra mente complete la obra.  Pasa la imagen a través de un filtro que es la palabra. A la larga todo se convierte en narración.






Lemon



En esta obra, la luz es transitoria, y en un principio nos revela un objeto que al final nos vuelve a esconder. La luz es el movimiento, es en este caso el encuentro con lo visual. Frampton crea una estetización de cuerpos. El objeto se vuelve banal; dejas de intentar buscarle un sentido y te entregas a la experiencia visual que estás viviendo.

Creo que evidentemente parte de las teorías de Duchamp. "Introducir un elemento cotidiano dentro de una sala de arte." Trabaja a partir de una propuesta e inaugura todo tipo de lenguaje. Otras de sus influencias creo que fueron Man Ray, Hans Richter y Moholy Nagy.



Hollis Frampton

X20; Hollis Frampton, 1969




Screen Test; Andy Warhol, 1964-1966





X20 de Hollis Frampton me recuerda mucho al arte pop. En especial al de Andy Warhol. En su serie de Screen Tests, le pedía a sus modelos sentarse frente a la cámara y mantenerse lo mas quieto posible para hacer un retrato íntimo de las personas. Lo que le interesaba a Warhol era provocar exasperación, para que su modelo se intimidara y dejara de imaginar respuestas y poses frente a la cámara, y sacara gestos y movimientos reales.


Creo que estas dos obras son retratos, aunque una más intima y la otra más dinámica. En la obra de Hollis Frampton no dejamos de ver rostros. aunque alejados, en cuadros muy rápidos y con algún tipo de distorsión. Juega con las imágenes, y a su vez con el espectador. Me parece una obra divertida, llamativa y muy 1969.
















Winter Solstice está dedicado al fuego; el elemnto que purifica y que a su vez es condicionado por otro elemento. A través de patrones de repetición, Frampton logra que se cree un ritmo. Este ritmo se lee visualmente, ya que el tiempo es un factor que no trabaja a nuestro favor. Creo que gracias a esto, nos podemos dar cuenta del carácter cíclico que llevan las imágenes. El fuego tiene comportamiento visual; parece bailarnos. Sus estados cambian y podemos ver imágenes hermosas gracias a esto. Es curioso que adopte la forma de su elemento opuesto y sus comportamientos. Vemos el fuego que se puede vertir y moldear y encausarse. Vemos gotas de fuego. El ojo distingue estas cualidades de la materia. Podemos ver también objetos incandescentes, que luego se enfrían y retoman sus cualidades propias como objetos.

Voy a utilizar otra vez los Screen Tests de Warhol para comprarla con la sensación como espectador que se tiene al ver Winter Solstice, imágenes de fuego, humo y metal, durante 33 minutos. Aunque las dos me parecen propuestas interesantes, creo que Winter Solstice guía al espectador en la película a través del ritmo que se siente en las imágenes. Dejas de ver el fuego en sí y te dejas llevar por el baile de las flamas. Por el otro lado, en la propuesta de Warhol, lo que nos guía durante los minutos que se nos hacen eternos son los gestos de los personajes que retrata. En este caso dejamos lo físico, la cara, a un lado para intentar ver quién es la persona que tenemos frente. 


Stan Brakhage

Stan Brakhage creía que que las grandes obras no esperan que tu las leas, sino que ellas te leen a ti. Las obras son co-creativas, no se completan por sí mismas. Se requiere de un espectador que que acomplete la obra para darle sentido. 


Al haberle quitado el sonido a su obra, Brakhage nos empuja a nosotros como espectador a rellenar los espacios que quedan vacíos. Tiene un lenguaje puramente visual. El cree que el espacio entre la mente y el ojo es donde está reflejando el nuevo lenguaje cinematográfico.

Estos son algunos videos de distintos cineastas que me recuerdan mucho el trabajo de Stan Brakhage.


Moth Light; Stan Brakhage, 1963



The Very Eye of Night; Maya Deren, 1958


Les Astronautes; Chris Marker, Walerian Borowczyk, 1959




A Colour Box; Len Lye, 1935



Begone Dull Care; Norman McLaren, 1949




Glaze of Cathexis; Stan Brakhage, 1990





Black Ice; Stan Brakhage, 1994





Comingled Containers; Stan Brakhage, 1997





Window Water Baby Moving; Stan Brakhage, 1959





The Private Life of a Cat; Maya Deren, 


El Color de la Granada; Parajanov, 1968.









Considerada  por Fellini como la mejor película de la historia, El color de la granada se ha convertido en un clásico del cine vanguardista. Es un ejercicio fotográfico con unos encuadres muy equilibrados y geométricos. Generalmente frontales, se despliega mucha información y movimiento dentro del plano. La escenografía está compuesta por muchos retablos religiosos y simbolismo. Constantemente hace evidente la presencia de dualidades. El hombre y la mujer. El cielo y la tierra. El pasado y el presente. La vida y la muerte. Estas dualidades, en especial el tiempo, quedan conectadas con la presencia del péndulo. 

A pesar de haber visto el documental que nos "inicia" de cierta manera en la película, yo viví una experiencia estética más que simbólica ya que carezco conocimientos culturales que exige esta obra para su comprensión. 


Obras bañadas con simbolismo de una artista mexicana: 







También ella se obsesiona por la dualidad:




La música de Wong Kar Wai





"Lo que es maravilloso sobre nuestra relación es que cuando veíamos aspectos artísticos o creativos él y yo no necesitábamos palabras para entendernos; era un regalo sentir lo mismo."

-Shigeru Umebayashi sobre su relación con Wong Kar Wai





Entre la sensualidad de Umebayashi y la melancolía de Nat King Cole, In the Mood for Love nos envuelve con una fuerza y sensibilidad que complementa la belleza de imágenes de la película. 










Main Theme, 2046. Shigeru Umebayashi





After silence, that which comes nearest to expressing the unexpressible is music. 
-Aldous Huxley


My heart, whis is so full to overflowing, has often been solaced and refreshed by music when sick and weary. 
-Martin Luther

In the mood for Wong Kar Wai...














Wong Kar Wai. Un director con gran capacidad de transportarnos a décadas y continentes ajenos a los nuestros. El ritmo de sus películas y los ambientes que crea nos sumergen en las historias que nos cuenta. Sus películas nos dejan huella al haberlas visto; nos identificamos con sus personajes y nos cautivan sus historias. Un poeta visual capaz de atravesar barreras culturales y temporales.