More Hollis!

Hollis Frampton, como ya hemos visto, es un cineasta innovador y experimental. Creo que trabaja sobre la base de primero crear y luego entender. Requiere del espectador para que nuestra mente complete la obra.  Pasa la imagen a través de un filtro que es la palabra. A la larga todo se convierte en narración.

Lemon

En esta obra, la luz es transitoria, y en un principio nos revela un objeto que al final nos vuelve a esconder. La luz es el movimiento, es en este caso el encuentro con lo visual. Frampton crea una estetización de cuerpos. El objeto se vuelve banal; dejas de intentar buscarle un sentido y te entregas a la experiencia visual que estás viviendo.

Creo que evidentemente parte de las teorías de Duchamp. "Introducir un elemento cotidiano dentro de una sala de arte." Trabaja a partir de una propuesta e inaugura todo tipo de lenguaje. Otras de sus influencias creo que fueron Man Ray, Hans Richter y Moholy Nagy.

Hollis Frampton

X20; Hollis Frampton, 1969




Screen Test; Andy Warhol, 1964-1966





X20 de Hollis Frampton me recuerda mucho al arte pop. En especial al de Andy Warhol. En su serie de Screen Tests, le pedía a sus modelos sentarse frente a la cámara y mantenerse lo mas quieto posible para hacer un retrato íntimo de las personas. Lo que le interesaba a Warhol era provocar exasperación, para que su modelo se intimidara y dejara de imaginar respuestas y poses frente a la cámara, y sacara gestos y movimientos reales.


Creo que estas dos obras son retratos, aunque una más intima y la otra más dinámica. En la obra de Hollis Frampton no dejamos de ver rostros. aunque alejados, en cuadros muy rápidos y con algún tipo de distorsión. Juega con las imágenes, y a su vez con el espectador. Me parece una obra divertida, llamativa y muy 1969.

Winter Solstice está dedicado al fuego; el elemnto que purifica y que a su vez es condicionado por otro elemento. A través de patrones de repetición, Frampton logra que se cree un ritmo. Este ritmo se lee visualmente, ya que el tiempo es un factor que no trabaja a nuestro favor. Creo que gracias a esto, nos podemos dar cuenta del carácter cíclico que llevan las imágenes. El fuego tiene comportamiento visual; parece bailarnos. Sus estados cambian y podemos ver imágenes hermosas gracias a esto. Es curioso que adopte la forma de su elemento opuesto y sus comportamientos. Vemos el fuego que se puede vertir y moldear y encausarse. Vemos gotas de fuego. El ojo distingue estas cualidades de la materia. Podemos ver también objetos incandescentes, que luego se enfrían y retoman sus cualidades propias como objetos.

Voy a utilizar otra vez los Screen Tests de Warhol para comprarla con la sensación como espectador que se tiene al ver Winter Solstice, imágenes de fuego, humo y metal, durante 33 minutos. Aunque las dos me parecen propuestas interesantes, creo que Winter Solstice guía al espectador en la película a través del ritmo que se siente en las imágenes. Dejas de ver el fuego en sí y te dejas llevar por el baile de las flamas. Por el otro lado, en la propuesta de Warhol, lo que nos guía durante los minutos que se nos hacen eternos son los gestos de los personajes que retrata. En este caso dejamos lo físico, la cara, a un lado para intentar ver quién es la persona que tenemos frente. 

Stan Brakhage

Stan Brakhage creía que que las grandes obras no esperan que tu las leas, sino que ellas te leen a ti. Las obras son co-creativas, no se completan por sí mismas. Se requiere de un espectador que que acomplete la obra para darle sentido. 

Al haberle quitado el sonido a su obra, Brakhage nos empuja a nosotros como espectador a rellenar los espacios que quedan vacíos. Tiene un lenguaje puramente visual. El cree que el espacio entre la mente y el ojo es donde está reflejando el nuevo lenguaje cinematográfico.

Estos son algunos videos de distintos cineastas que me recuerdan mucho el trabajo de Stan Brakhage.


Moth Light; Stan Brakhage, 1963

The Very Eye of Night; Maya Deren, 1958


Les Astronautes; Chris Marker, Walerian Borowczyk, 1959



A Colour Box; Len Lye, 1935



Begone Dull Care; Norman McLaren, 1949




Glaze of Cathexis; Stan Brakhage, 1990





Black Ice; Stan Brakhage, 1994





Comingled Containers; Stan Brakhage, 1997





Window Water Baby Moving; Stan Brakhage, 1959





The Private Life of a Cat; Maya Deren, 

El Color de la Granada; Parajanov, 1968.

Considerada  por Fellini como la mejor película de la historia, El color de la granada se ha convertido en un clásico del cine vanguardista. Es un ejercicio fotográfico con unos encuadres muy equilibrados y geométricos. Generalmente frontales, se despliega mucha información y movimiento dentro del plano. La escenografía está compuesta por muchos retablos religiosos y simbolismo. Constantemente hace evidente la presencia de dualidades. El hombre y la mujer. El cielo y la tierra. El pasado y el presente. La vida y la muerte. Estas dualidades, en especial el tiempo, quedan conectadas con la presencia del péndulo. 

A pesar de haber visto el documental que nos "inicia" de cierta manera en la película, yo viví una experiencia estética más que simbólica ya que carezco conocimientos culturales que exige esta obra para su comprensión. 

Obras bañadas con simbolismo de una artista mexicana: 

También ella se obsesiona por la dualidad:

La música de Wong Kar Wai

"Lo que es maravilloso sobre nuestra relación es que cuando veíamos aspectos artísticos o creativos él y yo no necesitábamos palabras para entendernos; era un regalo sentir lo mismo."

-Shigeru Umebayashi sobre su relación con Wong Kar Wai

Entre la sensualidad de Umebayashi y la melancolía de Nat King Cole, In the Mood for Love nos envuelve con una fuerza y sensibilidad que complementa la belleza de imágenes de la película. 










Main Theme, 2046. Shigeru Umebayashi

After silence, that which comes nearest to expressing the unexpressible is music. 

-Aldous Huxley

My heart, whis is so full to overflowing, has often been solaced and refreshed by music when sick and weary. 

-Martin Luther

In the mood for Wong Kar Wai...

Wong Kar Wai. Un director con gran capacidad de transportarnos a décadas y continentes ajenos a los nuestros. El ritmo de sus películas y los ambientes que crea nos sumergen en las historias que nos cuenta. Sus películas nos dejan huella al haberlas visto; nos identificamos con sus personajes y nos cautivan sus historias. Un poeta visual capaz de atravesar barreras culturales y temporales.